Искусство балета занимает особое место в мировой культуре как язык, в котором движение становится формой мышления, а сцена – пространством художественного диалога. Классическая хореография, сохраняя академическую строгость, одновременно развивается, открывая новые возможности для интерпретации традиции и формирования профессиональной школы.

В Казахстане балетное искусство последовательно укрепляет свои позиции, объединяя национальные традиции с признанными мировыми стандартами подготовки. Одним из ярких представителей данного искусства является Олег Игнатьев – артист балета, выпускник одной из ведущих мировых школ классического танца, Академии русского балета имени Вагановой.

Недавно мастер побывал в Казахской национальной академии хореографии, где в течение недели работал со студентами над постановочным материалом. Совместная работа проходила в тесном взаимодействии с педагогами специальных дисциплин, что позволило объединить опыт приглашенного хореографа с сильным методическим фундаментом Академии. О работе с казахстанскими студентами, своих профессиональных принципах и впечатлениях от визита он рассказал в интервью редакции Qazaq Culture.

– Какое впечатление на Вас произвела Академия и насколько значимо ее объединение с театром «Астана Балет»?

– Впечатления от Академии у меня исключительно положительные. Честно говоря, я не ожидал увидеть здание такого высокого уровня. Мне редко доводилось встречать настолько продуманные и комфортные условия – причем не только для обучающихся, но и для педагогов. Здесь чувствуется системный подход и внимание к деталям. Все организовано на действительно высоком профессиональном уровне.

Астана, в целом, произвела на меня сильное впечатление – современный, динамичный, очень чистый и новый город. Академия полностью соответствует статусу столицы и органично вписывается в ее образ.

О том, что здание Академии соединено с театром «Астана Балет», я узнал сравнительно недавно. На мой взгляд, это очень грамотное и стратегически верное решение. Возможность для студентов сразу переходить в театр и проходить сценическую практику в профессиональной среде – огромный плюс для их становления. Это, действительно, продуманная и эффективная модель подготовки будущих артистов.

– Можно ли сказать, что Казахстан стал для Вас вторым домом? Что в национальной культуре привлекло Ваше внимание?

– За то время, что я живу в Алматы, Казахстан стал для меня по-настоящему близким. Я чувствую себя здесь так же естественно и спокойно, как и в России. Разницы в менталитете практически не ощущаю – многое кажется родным: архитектура, городская среда, общее настроение. Поэтому я бы даже не назвал это «вторым домом» – скорее, это продолжение привычного пространства, в котором мне максимально комфортно.

Особое внимание привлекают элементы казахской национальной культуры, прежде всего, орнаменты. Я пока не углублялся в историю их происхождения, но постоянно замечаю их в городской среде – на фасадах зданий в Алматы, в музеях, в работах современных художников. В этих узорах чувствуется характер и культурная идентичность. Что касается кухни, для меня она достаточно специфична, поэтому я знакомлюсь с ней постепенно и выбираю блюда довольно выборочно.

– Что Вам сегодня ближе: выступать или преподавать?

– Три года назад я завершил исполнительскую карьеру – по ряду причин, в том числе из-за травмы. Поэтому сегодня для меня вопрос стоит уже не между сценой и педагогикой. Сейчас мне ближе всего постановочная работа.

Создание хореографии – это тот же балет, но с иной позиции: через режиссуру, драматургию, композицию. Это более сложный, многослойный процесс, чем просто исполнение партии или работа с уже готовым материалом. Здесь важно выстроить внутреннюю логику номера, его эмоциональную дугу, пластический рисунок. Мне, действительно, интересно придумывать и создавать – формировать идею с нуля и видеть, как она постепенно обретает сценическую форму.

– Какие профессиональные навыки Вы стремились передать студентам Академии?

– Несмотря на мой опыт и академическую школу за плечами, я всегда убежден: учиться можно у каждого и в любом возрасте. Но в этот раз мне было особенно важно донести до студентов понимание профессионализма как основы любой творческой деятельности. Профессионализм – это не только талант или техника, это, прежде всего, ответственность: четко выполнять свою задачу, понимать, что именно ты делаешь и каким образом достигаешь результата.

Программа у нас была, действительно, интенсивной. За семь дней мы поставили полноценный номер для 50 человек. У каждого была своя партия – у кого-то более масштабная, у кого-то камерная, но значимая в общей структуре. Мы работали в ускоренном темпе, поэтому требовались максимальная концентрация, дисциплина и способность быстро включаться в процесс. Мне хотелось, чтобы ребята почувствовали, как можно в сжатые сроки собраться, организовать себя и работать эффективно, не теряя качества. Надеюсь, этот опыт стал для них важным профессиональным шагом.

– Как Вы оцениваете работу со студентами Академии и какие качества студентов Вам особенно запомнились?

– Времени на близкое знакомство у нас не было, поскольку основная задача заключалась в четкой и оперативной организации рабочего процесса. Однако профессиональная отдача студентов ощущалась с первых репетиций – причем не только со стороны старших курсов, от которых традиционно ожидаешь большей зрелости, но и со стороны первокурсников.

Меня особенно впечатлил уровень их концентрации. Ребята были полностью включены в процесс, не отвлекались и на протяжении полутора часов сохраняли внимание и работоспособность. В современном мире это, на мой взгляд, редкое качество. В условиях постоянного потока короткого контента способность к длительной сосредоточенной работе у многих снижается.

Здесь же я увидел дисциплину и внутреннюю собранность: студенты работали от начала до конца, выкладывались максимально, и только после репетиции возвращались к привычной легкости и детской непосредственности. Это говорит о высоком уровне профессиональной подготовки и сформированном навыке ответственности – а это, действительно, заслуживает уважения.  

– С чего началась идея этой постановки?

– Идея постановки возникла около трех месяцев назад после моей встречи с Алтынай Асылмуратовой. У нее был конкретный художественный запрос, на который я с большим интересом откликнулся. Для меня это было еще и личностно значимо: в годы моего обучения в Академии русского балета имени Вагановой в Санкт-Петербурге Алтынай Абдуахимовна занимала должность художественного руководителя. Тогда ставился номер с близкой тематикой, и я сам принимал участие в подобной работе.

Поэтому я хорошо понимал ее художественную задачу и общий вектор. Постановка Grand Pas académique, которую мы реализовали сейчас, безусловно, имеет свои отличия – и по музыкальному материалу (мы работали на музыку Лео Делиба), и по тематическим акцентам. Однако по форме это классический формат так называемой «открытки» – презентации школы, ее уровня, традиций и исполнительской культуры.

Наиболее сложной задачей стало передать идею преемственности поколений. На сцене задействованы младшие, средние и старшие курсы, а также сольная пара выпускного класса. Здесь нет развернутой драматургии – все строится на внутреннем ощущении и пластическом языке. Зритель должен интуитивно считать эту иерархию, увидеть рост, развитие и постепенный переход от ученичества к зрелости. Именно в этом и заключалась ключевая художественная задача постановки.

– Что для Вас важнее в работе со студентами: техника или артистизм?

– В работе со студентами многое зависит от характера материала. Если речь идет о сюжетном балете, где важна драматургия и образ, то на первый план, безусловно, выходит артистизм. Сегодня, к сожалению, нередко наблюдается перекос в сторону техники: стремление к сложности элементов, к «спортивному» результату. В этом смысле я бы подчеркнул ценность именно артистизма, поскольку он формирует глубину сценического присутствия.

Техника во многом величина нарабатываемая и изменчивая, тогда как артистизм имеет более сложную внутреннюю структуру – он связан с пониманием образа, музыкальностью, сценической культурой.

В нашей постановке отсутствует сюжетная линия в привычном смысле. Здесь важен общий посыл – торжественность, величие, академическая представительность. Поэтому артистизм проявляется не через драматический образ, а через сценическое достоинство и стиль.

И техника в этом случае – это не количество пируэтов или виртуозность ради эффекта. Это техника сценического поведения, владения телом, умение показать чистоту линий, академизм и выдержанную эстетику классической школы.

– Что бы Вы хотели пожелать Академии и ее студентам?

– Прежде всего, я бы пожелал Академии сохранить тот высокий уровень, который уже достигнут. Важно удерживать планку и продолжать движение вперед, не останавливаясь на достигнутом. Развитие в искусстве – процесс непрерывный, и именно постоянный рост позволяет школе оставаться конкурентоспособной и значимой.

Студентам я хотел бы пожелать терпения и внутренней дисциплины. В балете результат никогда не приходит мгновенно – это долгий путь, требующий ежедневной работы, умения слышать педагогов и доверять процессу, даже когда прогресс кажется незаметным. Очень важно сохранять уважение к профессии, к традиции и к самим себе как будущим артистам. Академии – дальнейшего укрепления позиций, ярких и сильных выпускников и сохранения преемственности школы, которая здесь отчетливо ощущается. Именно эта связь поколений, на мой взгляд, и формирует устойчивое будущее классического балета.