L'art chorégraphique est une forme d'expression artistique unique, où le mouvement devient porteur de sens et de mémoire culturelle. La danse crée un espace de dialogue entre tradition et modernité, permettant une nouvelle compréhension des images nationales et des codes artistiques. Au Kazakhstan, ce dialogue dépasse de plus en plus les formes classiques, ouvrant de nouveaux horizons artistiques et réinterprétant les racines nationales à travers le rythme et l'image.
L'un des représentants les plus éminents de la chorégraphie kazakhe contemporaine est le talentueux chorégraphe et soliste de la Compagnie de ballet de l'Opéra d'Astana, Sultanbek Gumar, lauréat de la médaille « Eren enbegi ushin ». Il y a deux ans à peine, il a fait ses premiers pas en tant que créateur indépendant, développant son propre langage chorégraphique au sein du ballet classique kazakh. Depuis, ses productions, subtilement inspirées de l'école académique et de l'imagerie nationale, ont captivé le public, tant au Kazakhstan qu'à l'étranger. L'équipe éditoriale de Qazaq Culture s'est entretenue avec le chorégraphe au sujet du développement de ce nouveau langage et des prochaines créations qu'il présentera au public.

– Vous êtes reconnue comme soliste à l'Opéra d'Astana et vous vous êtes également imposée comme chorégraphe. Comment parvenez-vous à concilier ces deux rôles ?

– Être à la fois soliste et chorégraphe exige un dévouement total, mais cela élargit considérablement les possibilités créatives. Dansant au sein de la compagnie et étant constamment en activité, il m'est plus facile de montrer les mouvements aux danseurs et de travailler directement avec eux. Les principaux défis sont liés à mon emploi du temps chargé : outre ma participation aux représentations du répertoire et la préparation des premières, j'essaie de trouver du temps pour mes propres créations.

Si le gala Nomad Inspiration est au programme, je prépare toutes les pièces moi-même, et nous ne quittons pratiquement jamais la salle. Je vois cela non pas comme une contrainte, mais comme une opportunité. Tant que j'en ai la force et l'énergie, je considère qu'il est important de travailler dur et de contribuer au développement du ballet kazakh.

En travaillant avec une équipe, je connais bien la personnalité, l'humeur et le potentiel des danseurs, contrairement, par exemple, aux chorégraphes invités. Il n'y a aucune barrière entre nous, ce qui explique pourquoi je me trompe rarement dans le choix des interprètes pour mes productions. Je suis à la fois leur collègue et leur amie ; les danseurs se sentent à l'aise avec moi, et cette atmosphère de confiance pendant les répétitions a un impact direct sur la réussite du spectacle.

– Y avait-il des restrictions thématiques pour vos productions ?

– Personne ne m'a imposé de limites ni suggéré de travailler sur un thème précis. Je mets toujours en scène ce que je ressens et ce que je juge nécessaire, et c'est peut-être pourquoi mes œuvres trouvent un écho auprès du public. Lorsque je choisis la musique, je m'intéresse toujours à son histoire et je m'efforce de maintenir une harmonie intérieure entre le son et le mouvement. Il est important pour moi que la musique et la danse parlent le même langage : il est impossible de créer une danse triste sur une mélodie festive. J'écoute des kuis (chants folkloriques kazakhs) depuis l'enfance, et les sons du dombra, du zhetigen ou du kobyz suscitent toujours en moi une inspiration créative particulière. Ces instruments traditionnels semblent m'inviter à raconter une histoire. Dès que j'entends la musique, une image me vient immédiatement à l'esprit. C'est ainsi que sont nées mes créations sur la musique de l'ensemble KhasSak – « Rukh », « Toy bastar », « Aralym », « Kemel adam » et « Aṣsau » –, sur la musique d'A. Raiymkulova – « Mankurt », ainsi que la composition « Alem » sur la musique de Kh. Shangaliev.

— Comment est née la création de « Rukh », et à quoi attribuez-vous son succès auprès du public ?

— Je souhaitais depuis longtemps créer une œuvre chorégraphique nationale qui suscite le courage, insuffle la force intérieure et inspire. En travaillant sur « Rukh », je me suis inspiré de l'histoire d'Ablai Khan. Dans cette composition, les interprètes sont répartis en trois groupes, à l'image des trois zhuzes. Chacun possède ses propres symboles et costumes ornés d'images totémiques. Au centre de la composition se trouve le soliste, qui aspire à unir tous les êtres. Un conflit surgit au fil de la progression du groupe, et dans le final, les interprètes semblent gravir les échelons jusqu'au sommet, portant le soliste. Ce moment symbolise l'élection d'Abylai Khan.

Le secret du succès de « Rukh » réside avant tout dans la musique. J'ai été profondément inspiré par la composition « Amanat » de l'ensemble ethno-folklore « KhasSak ». C'est avec cette composition que tout a commencé. J'ai réuni les membres de la troupe, et en une semaine environ, nous avons monté ce numéro. Les interprètes ont rapidement saisi mon idée et se sont investis avec enthousiasme dans l'œuvre. Leur intérêt sincère m'a encore plus inspiré.

Parallèlement à notre travail principal au théâtre, nous préparions une nouvelle production. Une fois « Rukh » achevé, j'ai contacté la directrice artistique de la compagnie de ballet, Altynai Asylmuratova. Elle a immédiatement soutenu l'initiative. La production a ainsi été approuvée par la direction.

Cette œuvre a récemment été présentée sur la scène historique du Théâtre Bolchoï de Moscou. Pour moi, ce fut un événement véritablement inoubliable. Je suis sincèrement reconnaissante au Ministère de la Culture et de l'Information de la République du Kazakhstan, à la direction de l'Opéra d'Astana et à Altynai Asylmuratova, qui soutient toujours mes projets.

Durant la tournée, les danseurs ont relevé le défi de présenter le ballet kazakh avec brio et ont fait preuve d'une inspiration particulière. L'accompagnement par l'ensemble KhasSak a rendu la représentation d'autant plus impressionnante.

La longévité d'une danse dépend en grande partie des interprètes eux-mêmes. Si les danseurs ne sont pas passionnés, le spectacle ne durera pas longtemps. Mais s'ils ont envie de danser ce numéro, il perdurera. L'un des principaux atouts de « Rukh » réside dans ses danseurs, qui l'interprètent avec une inspiration sincère à chaque représentation. Je suis donc convaincue que cette œuvre chorégraphique a un bel avenir devant elle. Je suis particulièrement heureuse que de jeunes danseurs de la compagnie et des solistes confirmés souhaitent se produire dans « Rukh ».

– Vous avez participé au Festival Boris Eifman et avez reçu une reconnaissance internationale en Chine. Comment ces événements ont-ils influencé votre évolution en tant que chorégraphe ?

– Le Festival panrusse des jeunes chorégraphes, organisé par l’Académie de danse Boris Eifman, a été ma première expérience de participation à un grand festival professionnel en tant que chorégraphe. Ma miniature originale « Mankurt » y a été très bien accueillie par les critiques de ballet. Boris Eifman lui-même a salué l’œuvre, s’exclamant : « Bravo, Kazakhs ! » Des experts russes ont également noté que j’étais parvenu à traduire, par le langage chorégraphique, l’un des thèmes les plus complexes du roman de Chingiz Aitmatov, « Tempête de neige » : la transformation d’un homme en mankurt. Une autre étape importante a été ma participation au premier Concours international de ballet du Liaoning, en Chine, où le jury était composé de maîtres renommés du ballet mondial. J’ai été profondément honoré de recevoir le prix de la « Meilleure chorégraphie » pour ma production d’« Aṣsau ».

L’un des projets les plus importants et les plus stimulants de ma carrière a été les 5èmes Jeux mondiaux nomades, qui se sont déroulés à Astana. Avec mes assistants Aibar Toktar et Nima Tokov, nous avons créé une composition d'envergure, réunissant des danseurs de l'Opéra et du Ballet d'Astana, les ensembles Naz, Birlik et Gulder, ainsi que des soldats et la Garde d'honneur. Travailler avec plus de trois cents participants a été un véritable défi, mais la préparation elle-même s'est révélée précieuse et inspirante. Le caractère international de cet événement impliquait une responsabilité particulière, que nous avons su relever. J'ai également travaillé comme chorégraphe pour le défilé national annuel Chingay à Singapour. Participer à de tels festivals, concours et projets créatifs d'envergure renforce mon désir de développer ma chorégraphie et de poursuivre ma carrière professionnelle dans ce domaine.

– Sur quels projets travaillez-vous actuellement et quels objectifs créatifs vous fixez-vous pour l'avenir proche ?

– Il n'y a pas de limite à l'amélioration, c'est pourquoi je suis constamment en mouvement et à l'affût des nouvelles idées. Je perçois des éléments de danse dans les gestes, les mouvements quotidiens et même dans l'instant d'une chute. Une grande partie de ce processus prend racine dans la musique ; Cela suggère la nature du mouvement et l'orientation de la pensée chorégraphique.

Je collabore actuellement avec le compositeur contemporain Khamit Shangaliev, qui compose la musique de mon nouveau ballet en un acte, « Quatre Vérités – Une Éternité ». Nous avons développé une parfaite entente : il me suffit d'esquisser une idée, et il perçoit immédiatement la direction à suivre. Dans cette création, j'aborde un thème d'actualité : les désaccords et les conflits internes au sein des couples mariés. À travers les personnages de cinq couples, je dépeins les cinq étapes de l'amour : de la connexion émotionnelle à la découverte de l'amour véritable et éternel, en passant par une période d'adaptation et de compréhension mutuelle ;