哈萨克斯坦电影界正在涌现出一批新的电影人。他们并非通过大型电影公司体系进入电影行业，而是凭借自身的经历、小型团队、社会项目以及与观众探讨周遭事件的渴望而起步。他们的电影往往并非源于巨额预算，而是源于对生活的观察、对人性故事的挖掘、对内心冲突的刻画以及对那些不常登上新闻头条的话题的关注。

埃尔兰·乌沙克帕耶夫（Erlan Ushakpayev）就是这样一位导演，他是创意团体 INSPIRE CG 的负责人。近十年来，他的团队一直致力于将社会主题、视觉叙事和独立电影制作相结合。该团体最初制作社会视频、短片和纪录片，之后逐渐转型拍摄长片，但始终秉持着其核心价值：关注人及其内心世界。该团队的电影作品涵盖了各种类型和基调：故事片《哦，莱拉》（Oh, Läylä）和《欢迎来到热特苏》（Welcome to Zhetysu），音乐剧《我爱塔尔迪库尔干》（I Love Taldykorgan），以及献给教师职业重要性的电影《老师》（Ustaz），还有一些以社会和历史为主题的新作品。

对于埃尔兰·乌沙克帕耶夫（Erlan Ushakpaev）来说，电影不仅仅关乎情节、画面或表演。最重要的是，它能够唤起观众内心深处的情感。他表示，有时，片尾字幕后的沉默才是衡量一部电影是否真正触动人心的关键指标。在一次采访中，这位导演谈到了他的新项目、小型团队的工作、寻找个人风格以及银幕沉默的力量。

——我们先来谈谈您目前的项目。团队目前正在进行哪些工作？

——我们最近的主要项目包括电影《奥克尔马坎·哈塔尔》（Oqylmaqan Khattar）和《阿塔西尼克·巴拉西》（Atasynyq Balasy）。这两部作品在戏剧主题上各有不同，但都与人类的记忆、人际关系和内心体验息息相关。

《奥基尔马坎·哈塔尔》探讨了苏联时期的驱逐主题。对我们而言，讲述这个故事不仅要基于历史事实，更要通过个体的生命来展现。这是一部关于人们面对失去、被迫流离失所和痛苦，却从未丧失同理心的戏剧。通过这样的故事，我们可以不借助口号，通过个体的生命来探讨民族友谊、互助和人类尊严。

《孤儿院》是一部以疫情为背景的社会剧。故事讲述了养老院的老人们被暂时安置在孤儿院。乍看之下，他们之间毫无共同之处：不同的年龄、不同的人生创伤、不同的孤独程度。但渐渐地，他们开始建立联系。原本的陌生人变得如同家人一般。

这两个项目都极具挑战性。它们不仅需要精湛的技术，更需要投入大量的情感。处理这类题材时，切忌人为地渲染戏剧效果。你需要保留故事的真实性，不要给观众施加压力，而是让他们自己去体验故事。

目前，电影《乌斯塔兹-2》正在前期制作中。我们也在筹备一个新项目，暂不透露片名。我只能说这将是一部心理剧。此外，还有几个以社会和历史为主题的项目正在剧本创作阶段。

——请介绍一下你们的创作团队。目前INSPIRE CG的项目背后有哪些人？

——团队的组成取决于项目的规模。目前，我们的核心团队由六人组成。但我们工作的独特之处在于，每位专家都身兼数职。

我负责导演和剪辑，有时也会亲自掌镜。我们的摄影师不仅负责拍摄，还负责调色。编剧同时也是制片人。音效工程师负责声音设计和作曲。行政人员也兼任服装设计师和选角导演。美术指导可以协助摄影组。

对于独立电影人来说，这是一次至关重要的经历。当团队规模较小时，每个人都能更好地理解整个流程。你不能只专注于自己的任务，而需要从整体上看待项目：从构思和剧本到拍摄、剪辑、音效和宣传。

当然，这类工作需要投入大量精力。但它也有其优势。小团队决策更快，对各种情况的反应更灵活，对作品的理解也更深刻。当每个人都参与到故事中时，电影就不仅仅是一个制作过程，而是一项共同的事业。

——看电影和拍电影——这是两个不同的世界吗？

——我认为是的。观众主要通过情感来感知电影。他们走进电影院不是为了分析剪辑、灯光或镜头运动，而是为了体验故事。对他们来说，电影要么能引起共鸣，要么不能。这种反应非常真诚。

导演对电影的看法则不同。他们会注意到镜头是如何构图的，光线为何以某种方式照射，演员为何停顿，以及场景为何以某种节奏剪辑。对导演而言，电影是一系列决策的系统。每一个元素都有其存在的理由：色彩、声音、静默、节奏、演员的眼神。

但与此同时，他们也不能忘记观众。有时，导演会过于注重形式，而忽略了与银幕另一端观众的鲜活联系。然而，电影的本质就是为了让观众聆听和感受。

很大程度上取决于个人品味。有的观众偏爱节奏缓慢的艺术电影，有的则喜欢节奏明快的商业片。电影没有放之四海而皆准的公式。但有一个重要的前提：电影必须真诚动人。缺少这些，观众会立刻感受到虚假。

——对你而言，电影中最重要的是什么：引人入胜的情节、精美的视觉画面还是真挚的情感？

——这三者都很重要。视觉效果帮助观众进入电影的世界。它们营造氛围、空间和情绪。情节能够吸引观众的注意力，引领他们从头到尾观看。但最常留在记忆中的，却是情感。

有时，一部电影的情节可能非常简单，但如果它饱含真情实感，就能长久地留在你的记忆中。有时情况则恰恰相反：画面完美无瑕，技术精湛，但内在却缺乏生命力。你观看时会意识到，画面在那里，但灵魂却缺失了。

对我而言，最重要的在于它对观众内心状态的影响。电影不应仅仅是讲述一个故事，而应留下印记。它或许无法提供现成的答案，但它应该引发思考。它或许无法解释一切，但它应该让你思考。

如果影片结束后，观众没有立刻开始议论纷纷，而是沉默片刻，沉浸在所见所闻之中，那么这部电影就达到了它的目的。

——如今许多年轻导演都在寻找自己的风格。您会如何描述自己的风格？

——我可能更喜欢写实主义电影，注重情感和氛围的营造。我感兴趣的是通过镜头、停顿、眼神、沉默来传达人物的内心世界。有时，沉默胜过冗长的对话。

我认为风格并非仅仅指视觉美。一个美丽的镜头本身并不能使一部电影充满力量。它必须能够烘托故事、塑造人物，并展现他们的内心世界。如果一个镜头很美，却对人物没有任何刻画，对我来说，它就失去了意义。

风格并非一套技巧，而是导演对人、对社会、对生活的态度。一部电影总是会展现作者如何看待世界：痛苦、希望、讽刺、爱、焦虑。这才是真正电影语言的构成要素。

——你的电影经常探讨社会问题。这对你来说为什么如此重要？

——对我而言，社会问题并非一定指那些棘手或棘手的事情。它本质上是关于人的对话。关于家庭、孤独、记忆、选择、责任、希望。我认为电影可以帮助我们看到日常生活中常常被忽略的事物。

在讲述一位老人、一位老师、一个孩子或一个家庭经历困境的故事时，重要的是不要把人物变成一个符号。他必须保持鲜活，有血有肉，有弱点、有恐惧、有错误，也有尊严。

我感兴趣的是那些能够揭示个人故事背后更深层次意义的电影。通过一个人，我们可以谈论整个社会；通过一个家庭，我们可以谈论时间；通过一个停顿，我们可以谈论无法用言语表达的痛苦。

——您在创作电影时的主要原则是什么？

——真诚。对故事、对人物、对观众、对自己都要真诚。你可以在形式上犯错，你可以探索、尝试、与自己辩论。但你无法欺骗情感。

如果一部电影仅仅是为了追求效果，那很容易被看出来。如果一个场景的创作并非源于内心，而是为了追求优美的词句，那也同样显而易见。这就是为什么我总是试图理解我们为什么要讲述这个故事。它的意义何在？为什么是现在？人们看完之后应该有怎样的感受？

对我而言，电影不仅仅是一份职业，它是一种表达内心感受的方式。有时，它非常安静，无需喧嚣的言语。但如果这份沉默能够触动观众，那么它就没有白费。