我们习惯于将某些遗产视为静止不变之物：档案、纪念碑、凝固的过往见证。它们受到保护、研究、描述，被置于科学和博物馆的语境之中。然而，文化的真正生命力始于过去不再仅仅是保存的对象，而是再次成为一种对话的那一刻。这种对话并非喧嚣嘈杂、宣告式的，而是深刻而内在的。

这种对话正是阿比尔汗·卡斯特耶夫国家艺术博物馆展出的“唐巴利：祖先的密码”项目的核心所在。本次展览邀请我们重新审视这些著名的岩画，不仅将其视为具有非凡价值的考古遗产，更将其视为一种独特的具象语言，古代人正是通过这种语言来表达世界、自然、时间、天空以及自身在宇宙中的位置。在这里，石头不再仅仅是表面，而是记忆的载体。图像不再是过去的痕迹，而是鲜活的存在形式。坦巴利博物馆保护区与摄影师弗拉迪斯拉夫·金的合作项目基于一个在当今视觉世界中极为罕见的原则：不以效果替代原作。相反，需要运用现代科技、艺术光学和数字环境，才能在不破坏原作内在静谧的前提下，巧妙地拉近观者的距离。这并非试图“复兴”古代，而是​​渴望重新学习如何欣赏古代。

我们与弗拉迪斯拉夫·金探讨了这一理念的由来、光线为何成为艺术创作方法的一部分，以及运用此类材料进行创作的真正挑战。

——您何时开始将岩画视为一种艺术表达，而非仅仅是景观的一部分？

——在哈萨克斯坦的探险之旅中，我经常遇到岩画，但很长一段时间里，我并没有将它们视为真正的艺术表达形式。我拍摄偏远地区的风景、传统和人们的生活，并试图将它们呈现为图像、视觉故事和绘画，而不是纪录片式的影像。但对于岩画，情况却截然不同。很长一段时间，我都无法真正将它们视为艺术。

转折点出现在我参观坦巴利博物馆保护区并结识研究岩画的人们之后。在那里，我看到了之前在其他地方从未注意到的东西。这种感觉很难用理性描述，因为它几乎是切身的、充满能量的——就像内心深处的一次顿悟。我拍摄了一幅岩画，之后回到家，我长时间地盯着照片。在某个时刻，图像似乎开始浮现，就像冲洗出来的胶片一样。那时我才明白最终的图像应该是什么样子。

我想，正是从那一刻起，我开始将岩画视为一种生命形式，一种至今仍能诉说故事的图像，而不仅仅是一个古老的符号。

在您的创作理念中，真实性至关重要。我们如何在不破坏岩画原貌的前提下，将其语言转化为现代视觉形式？

对我而言，这是一个根本性的问题。最重要的是，哪怕一个像素都不能破坏岩画的原始性。我不改变它的形状，不干预它的设计，也不为了迎合现代人的审美而对其进行改造。但与此同时，石头的表面、光线、结构和纹理，都让我们得以展现图像的深度，并浓缩其色彩。

在摄影中，这可以比作色彩的显影和微调，你不是在创造新的东西，而是在揭示已存在之物。也就是说，你不是在凭空捏造图像，而是让它自然浮现。后来，我回到唐巴利，在那里待了几天，钻研自己的拍摄技巧。我很快意识到，关键在于阳光。

正是光线——它的角度、强度和精准的时间——让岩画得以展现自身。阳光洒在石头上，加深了色彩，仿佛赋予了图像生命。经过六个多月的创作，我得出的结论是，岩画不能仅仅被当作静态图像来呈现。它必须被视为能够与观者对话的作品。

对我而言，重要的是当人们遇到这样的作品时，他们不仅仅是观看，而是与它进行对话。而这确实发生了。有些人从这些图像中找到了自己的经历、自己的意义、个人的感受，甚至是内心问题的答案。每个人看到的都不一样。我相信，这就是岩画的力量：它并非一目了然，而是随着时间的推移不断展开，如同一个鲜活的故事。

——所以，在你的作品中，光线不仅仅是技术上的必要条件，它几乎是创作的共同参与者？

——是的，的确如此。在唐巴利拍摄是一个复杂的过程，需要大量的准备工作。持续不断的风、寒冷的天气、缺水——所有这些都直接影响着我的工作。但最主要的因素并非日常的挑战，而是自然环境：天空、云朵、气温，当然还有光线。

有时，我不得不多次往返拍摄地点，甚至彻夜守候，只为捕捉到能够展现岩画的那几分钟精准光线。因为这些图像本身并不总是那么容易辨认。在一天中的不同时间，会出现太多不必要的阴影，干扰观察。你必须等待光线精准照射的那一刻，然后画面才会逐渐显现。

与此同时，我从未预设过拍摄方案。对我而言，这并非一个严格意义上的、按部就班的项目。相反，我遵循内心的直觉，决定拍摄哪些岩画以及如何拍摄。有时，我会对同一幅图像拍摄上百张照片，但最终只有一张被证明是合适的。在这种情况下，直觉至关重要。

然后就是最后一个阶段——印刷。我尝试了各种材料，最终得出结论：只有100%纯棉帆布才能达到我想要的效果。正是这种帆布赋予了图像不同的感知，仿佛增添了额外的深度。此外，岩画本身往往难以接近：你必须攀爬，携带设备、水以及其他所有必需品。我曾尝试用无人机拍摄，但这些镜头最终并未被纳入作品。只有当你近距离接触岩石并直接创作时，才能获得最佳效果。有时，一幅岩画的创作就需要整整一天的时间。

——如今，几乎所有关于展览的讨论迟早都会涉及到技术。您个人如何看待现代工具与作品失真风险之间的界限？

——在这样的项目中，必须极其谨慎地使用人工智能等数字技术。很容易越过界限，破坏整体效果。观众可能会认为作品本身是由人工智能创作的，但对我而言，这是一种根本性的错误认知。岩画不应被扭曲，因为一旦扭曲，它们的真实性和所蕴含的能量就会丧失。

因此，我非常谨慎地使用人工智能。它仅作为辅助工具，用来生动地展现岩画的个体故事，营造三千年前的世界氛围。这可以提高人们对该项目的兴趣，尤其是在儿童和青少年群体中，他们需要以更易于理解、更直观的方式了解历史。

但对于成年观众而言，我认为尽可能忠实于原作至关重要。如果我们从更广阔的国际视角来看待唐巴利岩画，数字化解决方案有助于在城市空间中展示岩画，而无需移动原作。石头无法运输，这意味着技术成为将这份遗产带给更广泛受众的一种途径。从这个意义上讲，人工智能和多媒体确实可以提升项目的效果——但前提是必须谨慎使用，并且不能取代岩画的本质。至关重要的是，不要被技术效果冲昏头脑，而要尊重原作。

——我们能否说，这样的展览不仅仅是对文化遗产的展示，更是在探索一种全新的文化呈现方式？

——是的，我认为如此。如今，保护岩画作为世界遗产固然重要，但探索其新的展示形式也同样重要。并非每个人都能亲临现场，我们也明白，络绎不绝的游客会对环境造成压力。从这个意义上讲，展览和博物馆的形式一方面可以减少人们直接接触原作的机会，另一方面又能显著扩大受众群体。

即使有人并非在坦巴利博物馆本身，而是在展览、图录或博物馆展品中首次看到岩画，这也可以成为他们培养对这一文化遗产兴趣和尊重的第一步。这一点对我来说至关重要。因为文化遗产不应仅仅存在于狭隘的专业领域，它必须找到与当代人建立联系的方式。

——在此背景下，国际社会和联合国教科文组织的关注对这个项目有何意义？

对我而言，这个故事最初并非政府、商业或机构项目。它源于内心的冲动，是我与岩画本身的一次私人对话。我从未将这项工作视为一项委托，而是一个渴望被讲述的故事。从某种意义上说，岩画本身仿佛在召唤：向世界展示我们吧。正因如此，国际专家群体和联合国教科文组织代表对该项目表现出的兴趣对我来说尤为重要。这为将唐巴利置于更广阔的文化语境中提供了契机，使其不仅在专家中为人所知，也能被更广泛的受众所理解。

谈到国际标准，我仍然认为这个项目首先是一种艺术表达，而非科学方法。它基于对原作的尊重，以及不对其进行任何歪曲的愿望。但联合国教科文组织的关注至关重要，因为它赋予了该项目国际影响力，并有助于以当代语言讲述唐巴利作为鲜活文化遗产的故事。

——您如何设想这项工作的后续发展？当代艺术能否真正成为连接文化遗产与新一代观众的桥梁？

——我认为可以。而且，我已经在围绕这个理念构建一套系统的方法。VXN 画廊已在阿拉木图成立，其主要目标是持续激发国际社会对唐巴利岩画以及这一文化遗产层面的兴趣。对我而言，这并非一次性项目，而是一项旨在实现全球影响力的长期战略。

如今，我们不仅致力于艺术方向的开发——即摄影作品本身——还着力打造相关产品形式：收藏品和礼品、小型艺术品以及受岩画启发而设计的配饰。这使我们能够拓展受众群体，并以多种形式让更多人接触到我们的文化遗产。

展望未来，我们正在考虑国际推广：举办新展览、开设画廊以及与国际观众互动。当然，我们的最终目标远不止于此。我希望在哈萨克斯坦建立一座完整的岩画博物馆——不仅仅是一个展览空间，而是一个综合中心，能够讲述岩画产生的环境、文化以及当时人们的生活方式。

理想情况下，它还应该是一个研究中心，不仅研究唐巴利岩画，也研究哈萨克斯坦的其他岩画。这是一项艰巨的工程；需要时间、资源和志同道合的人。但我相信，正是像这样的项目塑造了未来，让当代艺术不再仅仅是文化遗产的点缀，而是成为连接文化遗产与全球文化空间的桥梁。