对于一位音乐家而言，回到家乡的舞台绝非一场简单的音乐会。经过多年的学习、比赛和海外演出，他的技艺日臻成熟，曲目不断拓展，独特的风格也逐渐形成。然而，只有在家乡，人们才能最清晰地感受到这位艺术家的成长历程，以及他从更广阔的音乐世界带回的养分。

在奥佩拉利亚音乐节上，这一理念以两种截然不同的形式呈现。“Viva Cello”交响音乐会汇聚了一位享誉盛名的大师和新一代哈萨克斯坦大提琴家；而“钢琴故事：从肖邦到普罗科菲耶夫”音乐会则由在莫斯科音乐学院继续深造的年轻钢琴家们担纲演出。

“Viva Cello”的明星是著名大提琴家埃尔达尔·萨帕拉耶夫。如今，他活跃于欧洲和亚洲各大音乐厅，并在卢布尔雅那音乐学院任教，但他始终将支持哈萨克斯坦大提琴教育视为其工作的重要组成部分。

与他同台演出的还有他的学生巴特尔汗·伊萨克和达纳古尔·阿日克诺娃。两人都已在国际乐坛崭露头角。巴特尔汗赢得了布加勒斯特的CellEast国际音乐比赛，并在意大利的一项比赛中获奖。达纳古尔曾在法国、布拉格和卢布尔雅那演出，与新欧洲弦乐室内乐团合作演出独奏，并随美国乐团iPalpiti巡演。

然而，在阿斯塔纳，他们的成就不仅仅体现在一连串的奖项上。更重要的是聆听这些年轻的演奏家如何演绎这些音乐，因为这是哈萨克斯坦观众首次聆听这些作品。

巴特尔汗·伊萨克演奏了卡米尔·圣-桑的第二大提琴协奏曲——这是一部充满活力、激情澎湃的作品，远不如作曲家的第一大提琴协奏曲那样广为人知。在这首作品中，独奏者几乎没有喘息的机会：音乐要求演奏者沉着冷静、力量十足，即使在最激烈的段落中也要保持清晰的音色。

达纳古尔·阿日克诺娃演奏了阿图尔·奥涅格的协奏曲。对埃尔达·萨帕拉耶夫而言，这部作品唤起了他对日本的种种想象。在第一乐章中，他仿佛听到火车穿梭于古老的京都和现代的东京之间，窗外稻田和富士山的轮廓不断变换。第二乐章则让他想起歌舞伎——其程式化的表演、富有表现力的肢体语言以及内在的戏剧张力。

因此，一部鲜为人知的作品不再仅仅是一份不为人知的乐谱。它融入了演奏者的个人情感，对听众而言，也成为了一次连接欧洲音乐与日本美学的旅程。

当晚的压轴曲目是乔瓦尼·索利马为三把大提琴和管弦乐队创作的《卡拉瓦乔》。萨帕拉耶夫与他的学生们共同演奏了这部作品。

这部作品取材于索利马在意大利南部一座教堂中发现的一首古老圣咏，这首圣咏与卡拉瓦乔的画作《鞭笞基督》有着密切的联系。作曲家将古老的旋律融入作品的开头和结尾，使中间乐章转变为一出紧张的音乐剧。

这里的三把大提琴并非各自为政的独奏者，而是共同参与到同一个乐章中。它们的音色交汇、争论、重叠，仿佛用声音延伸了画面。哈萨克斯坦的听众首次聆听到这部作品，不仅领略了罕见的音乐，也了解了卡拉瓦乔故事中一个不为人知的侧面。

这首三重奏的创作本身就赋予了演出特殊的意义。师生们仿佛置身于同一乐谱之中，经验非但没有扼杀青春，反而促进了青春的绽放。这里的延续并非抽象的概念，而是可以听见的。

音乐节的另一个夜晚则通过钢琴讲述了回归的故事。“钢琴故事”由三位在莫斯科国立柴可夫斯基音乐学院学习的哈萨克斯坦钢琴家——贝克扎特·拉基莫夫、桑扎拉利·科帕巴耶夫和贝巴尔斯·斯梅尔——联袂演出。他们的演出曲目跨越了不同的时代和风格：从肖邦波兰舞曲高贵典雅的气势，到勃拉姆斯《帕格尼尼主题变奏曲》近乎极致的精湛技艺；从巴拉基列夫《伊斯拉梅》的东方韵味，到普罗科菲耶夫第七钢琴奏鸣曲令人不安的节奏。

莫里斯·拉威尔的《圆舞曲》占据了特殊的地位。它以一段精彩舞曲的回忆开篇，但逐渐失去平衡，最终化作一场势不可挡的旋风。美与毁灭感并存，熟悉的圆舞曲节奏变得愈发紧张，甚至令人感到恐惧。

一场音乐会中，这位年轻的音乐家与大型管弦乐队合作演出；另一场则让他独自一人，以钢琴和他对古典作品的独特诠释进行表演。这两场音乐会共同讲述了哈萨克斯坦新一代艺术家的故事。

这正是“祖国音乐会”项目意义非凡的原因。音乐家们归来并非为了汇报海外的成功，而是为了带回新的作品、表演理念以及在国际舞台上积累的经验。

他们离开是为了学习、比赛，并找到属于自己的音乐风格。但这段旅程的真正意义，在回到家乡后才得以最清晰地展现——当艺术家们将此前从未在家乡听过的音乐带回时。